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Gilberto Freyre, modas e estilos

TARCISIO D´ALMEIDA

Publicado no Jornal OTEMPO em 11/03/2012

Dois nomes edificam o que atualmente compreendemos como comunidade intelectual da moda no Brasil. Primeiramente, a paulista Gilda de Mello e Souza (ver artigos : 1, 2, 3) é a pensadora que produziu, na USP, a primeira tese com foco central nas reflexões sobre a moda. Outro nome é o do sociólogo pernambucano Gilberto Freyre, o pensador que, mesmo não tendo se dedicado ao tema em nenhum de seus estudos para obtenção de títulos (mestrado e doutorado), produziu uma série de artigos que foram publicados na grande imprensa e que versavam sobre os embates entre as imposições dos estilos estrangeiros na sociedade brasileira e os jeitos naturais da brasilidade e, ainda, como estes contribuem para a construção das nossas identidades, modas e estilos próprios.

A sociologia de Freyre se debruçou sobre as questões das modas e dos modos tanto de mulheres quanto de homens da sociedade brasileira, em especial, a partir do fim do século XIX, sobretudo, durante a primeira metade do século XX. Mas não somente as modas e os estilos. Os corpos, a morenidade e o processo de higienização decorrente da utilização de matérias-primas mais adequadas à realidade climática brasileira também ganharam destaques nas observações do pensador. Nesse sentido, Freyre direcionou sua reflexão para o entendimento do que poderíamos chamar de moda “Made in Brazil”.

Essa compreensão – ou melhor, essa defesa – do nosso “savoir faire” é o eixo condutor da obra “Modos de Homem & Modas de Mulher”, compilação dos artigos publicados na grande imprensa e que foram editados em formato de livro em 1987, com segunda edição em 2009. Essa obra reconstrói o percurso intelectual do autor, levantando os conceitos propostos por ele para “moda”, “estilo” e “comportamento” e como esses se relacionam com as complexas redes estabelecidas entre os indivíduos na sociedade brasileira. Portanto, noções de fruição estética e cultural são propostas essenciais sugeridas nos artigos de Freyre para entendermos as implicações das modas e dos estilos da época e seus reflexos sociais e culturais.

Como escrevi em um artigo para o V Colóquio de Moda, “se o pensamento sociológico do alemão Georg Simmel, com a publicação de seu ensaio “Philosophie der Mode”, em 1904, é sinônimo de estudo clássico da moda, as abordagens de Freyre adquiriram uma sinonímia em relação às questões referentes não só à moda e ao estilo, mas também aos modos; e a como todos se relacionam e coexistem tanto em homens como em mulheres. Mas não são quaisquer homens e mulheres e, sim, brasileiros e brasileiras e, o que é mais crucial na obra, as relações que se constituem a partir das dinâmicas sociais, culturais e de identidades do Brasil, em um momento, e do Nordeste, em um segundo estágio de reflexão, além de suas demandas tropicais e de clima”.

Mas é preciso lembrarmos que, antes mesmo de publicar “Modos de Homem & Modas de Mulher”, Freyre sinalizou a importância para os vestuários e os padrões estéticos de comportamentos da sociedade. Em sua obra-prima, “Sobrados e Mucambos”, dedicou especial atenção ao vestuário feminino, às barbas masculinas e ao dimorfismo sexual. O historiador Peter Burke nos lembra, em um artigo para o “Caderno Mais!”, da “Folha de S. Paulo” (12/3/2000), outros tópicos essenciais em Freyre: “Seu interesse na história das roupas estendia-se dos trajes formais dos moleques oitocentistas aos turbantes das escravas negras”.

Tarcisio D´Almeida é professor e pesquisador do curso design de moda da Escola de Belas Artes, da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA-UFMG). tarcisiodalmeida@eba.ufmg.br
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O livro “Modos de Homem & Modas de Mulher” está disponível para empréstimo na Faculdade de Filosofia e Ciências Humanas da UFMG

Artistas de primeira viagem

Projeto Conversas encerra primeiro ciclo de residências artísticas com exposição de jovens criadores do Estado
DANIEL TOLEDO
Residência. Mariana Rocha, Lucas Carvalho e Estandelau apresentam seu trabalho ao público da cidade. Foto : Marcelo Diogo

Em agosto do ano passado, muita gente se surpreendeu quando foram divulgados os nomes dos três artistas que participariam da primeira edição do Projeto Conversas, realizado em parceria pelo Ceia e a Fundação Clóvis Salgado. Ainda que criadores mais experientes tenham se inscrito para a residência artística de cinco meses apresentada como carro-chefe do projeto, os seus coordenadores, Marcos Hill e Marco Paulo Rolla, optaram por apostar em nomes até então pouco conhecidos mesmo entre a classe artística da cidade.

O resultado dessa aposta, bastante acertada na visão do próprio Marcos Hill, pode ser conhecido na exposição que reúne trabalhos de Mariana Rocha, Lucas Carvalho e Estandelau e entrou  em cartaz no Centro de Arte Contemporânea e Fotografia.

“Nós ficamos muito felizes por oferecer essa oportunidade a artistas bastante jovens e ainda desconhecidos, que puderam se dedicar ao próprio trabalho e alcançaram, após essa experiência, resultados altamente profissionais”, resume o pesquisador Marcos Hill, um dos coordenadores do Ceia e do Projeto Conversas.

Além de trabalharem durante cinco meses em um ateliê criado no último andar do Centro de Arte Contemporânea e Fotografia, os artistas, destaca Hill, participaram de palestras com grandes nomes da arte brasileira e internacional, assim como receberam diversas visitas em seu espaço de criação.

“A partir de outubro, principalmente, o ateliê ganhou uma dinâmica de trabalho muito interessante, com a passagem de outros artistas oriundos de Belo Horizonte, São Paulo e ainda alguns países da América Central”, destaca, em referência à residência Ca-bra – outro tentáculo do Projeto Conversas.

Cada um a seu modo, os três artistas tiveram, então, a chance de desenvolver e refletir continuamente sobre as próprias pesquisas e trabalhos, os quais já passaram por Ipatinga e chegam, finalmente, aos demais andares do Centro de Arte Contemporânea. Perpassando linguagens como o desenho, a pintura, a performance e a instalação, são vários os trabalhos apresentados por cada criador.

“Vejo essa exposição como um excelente cartão de visitas em relação às pesquisas dos três. Daqui em diante, o desafio é manter o nível e encarar de frente esse lugar do artista em relação à sociedade”, afirma Hill.

Agenda

O quê. Exposição de encerramento do Projeto Conversas
Quando. Desde 14 de março a 29 de abril (de terça a sábado, das 9h30 às 21h; domingos, das 16h às 21h)
Onde. Centro de Arte Contemporânea e Fotografia (av. Afonso Pena, 737, centro)
Quanto. Entrada gratuita

Mulheres e sapatos: uma história de amor

Petit Gabi

Não é de hoje que as mulheres têm fascínio por belos pares de sapatos. É um relacionamento que, para algumas, extrapola os limites do bom-senso. Afinal, quem não tem uma amiga ou amiga de uma amiga que alega ter mais de 100 pares de sapatos no closet?

Pois bem, caros leitores, saibam que para entender esse amor feminino pelo calçado é necessário primeiramente entender porque foram criados esses tomadores de atenção.

As principais referências à arte da criação dos sapatos estão ligadas aos egípicios, por sua habilidade de curtir o couro para fabricá-los. Mas existem indícios de que os sapatos existem desde 10.000 a.C. Há estudos de pinturas paleolíticas encontradas em cavernas na França e na Espanha que comprovam essa data tão longínqua. Em contrapartida, outros pesquisadores afirmam que os sapatos foram inventados na Mesopotâmia, há mais de 3.200 anos. Mas de qualquer forma, faz muito tempo, não é?

Sandálias Novo Testamento.
Sandálias Novo Testamento.

As curiosidades sobre a existência desse adorável companheiro dos pés são inúmeras e impressionantes. Os gregos, por exemplo, mostraram-se além do seu tempo, usando um calçado diferente em cada pé. No Império Romano, os calçados denunciavam as classes sociais. Os ingleses do século XIV usavam sapatos tão pontudos que os famigerados pares foram considerados perigosos para o país. Na França do século XVI, os calçados finos demais obrigavam as pessoas a ficar com os pés mergulhados em águas geladas, antes de calçá-los. Na China, como todos conhecem, as mulheres eram obrigadas a usar sapatos de no máximo 15 cm, o que acabava por deformar os pés das belas chinesas. Em Veneza, por sua vez, lá por meados de 1600, as plataformas altíssimas obrigavam seus usuários a necessitar da ajuda de criados para se locomover.

Há algumas décadas, os sapatos passaram a ser objeto de desejo, itens de coleção, paixão e desejo. Mas o fato é que foram projetados inicialmente apenas para proteger os pés dos terrenos acidentados, do frio, calor, etc.. E o que hoje entope nosso armário, era apenas um objeto que fazia parte da vestimenta do homem rudimentar.

Sapato Sindhi.
Sapato de Dobrar os pés.Sapatos da "Dorothy" em "O Feiticeiro de Oz".

Os calçados femininos, por sua vez, têm uma variedade e requinte que os distingue claramente dos masculinos. Os tipos são dos mais variados: anabela, ankle boot, bota, coturno, escarpin, mocassins, mule, open boot, oxford, rasteiras, sandália, sabrina, sapatilha, stilleto, tamanco, tênis, peep toe, princesa e uma infinidade de denominações que os fashionistas não param de criar coleção após coleção.
No Brasil e no mundo, algumas marcas acabam sendo as favoritas das mulheres, como Arezzo, Melissa, Dakota, Via Marte, Corello, Dumond, Calvin Klein, Capodarte, Santa Lolla, Botero, Shoestock, Schutz, Carolina Herrera, Chanel, Jimmy Choo… uma lista extensa que poderia ocupar toda esta página.
O fato é que hoje em dia o sapato não é mais apenas um acessório. É uma peça-chave e acaba sendo a continuação de um look. Pelos pés é possível mostrar traços de feminilidade, personalidade e estilo. Por isso mesmo as mulheres são tão apaixonadas pelos sapatos.

Independentemente do modelo e da marca, o sentimento de algumas mulheres por sapatos é algo que transcende a lógica. Quem nunca ouviu de um homem a velha piada de que em outra encarnação a mulher deveria ser uma centopéia? Pois só isso para explicar sua necessidade de ter tantos pares, quando na verdade só tem dois pés. Afinal, há mulheres que lembram mais facilmente do primeiro par de sapatos que compraram com seu próprio dinheiro do que do homem que beijaram pela primeira vez. Parece loucura, mas algumas delas tratam sapatos como melhores amigos, bens preciosos, companheiros de longas jornadas. E, no final das contas, paixão não é algo que se deva entender. E se isso nos faz feliz, que tenhamos nossos dois, cinco, dez ou cem pares de sapatos.

Isaac Salazar: o escultor de palavras

Helena Sousa Pereira

Há certos livros que, de tão bem escritos, são apelidados de obras-primas. Isaac Salazar vai mais longe. Independentemente da qualidade do seu conteúdo, ele transforma todos os livros em obras de arte.

A história começa numa qualquer livraria. Fulano passa os olhos pelos escaparates. Fulano sente a capa e a contra-capa. Fulano inala o cheiro a livro novo, velho ou assim-assim. Fulano folheia o seu tempo futuro no pretérito presente, saca do cartão e dá-se a transacção cultural-comercial. Livro no saco, Sicrano segue para casa. Não faz cerimónia e abre-o em cima do balcão da cozinha. Em pouco mais de uma hora devora adjectivos e advérbios de modo. Sicrano está inebriado. Sicrano está de barriga cheia. Beltrano pousa o livro. Fulano, Sicrano e Beltrano estão satisfeitos.

Depois disto, é quase falta de educação deixar os livros ali, só numa de apanhar umas ondas de pó e conseguir um tom amarelado uniforme. O mofo é letal. Para o prevenir, recomendamos o trabalho de Isaac Salazar, mestre em book origami.

Isaac diz no seu site pessoal que nunca tinha pensado em si como uma pessoa criativa, até ao dia em que viu uma árvore de natal feita com páginas da Reader’s Digest (nesta página) e indagou até que ponto seria possível levar o conceito um pouco mais longe.

O resultado é o que aqui vos damos a conhecer. Extraordinário.

Ecologicamente consciente e adepto das energias renováveis, agrada-lhe a ideia de poder salvar um livro cujo destino mais que certo seria o caixote de lixo, e conferir-lhe uma nova vida.

Está certo que, no que aos livros concerne, sempre fomos pródigos em dar-lhes outras funções que não a primordial função para a qual foram criados: serem lidos. Ainda a reciclagem não existia e já nós cumpríamos um dos 3 R’s de ouro: reutilizar (os nossos livros) – como arma de arremesso numa discussão; para atear a fogueira no inverno; reutilizá-los para aprendermos a andar direitos ou a comer com modos; como calço para aquela mesa que manca; ou ainda como fiel depositário de recadinhos e bilhetinhos de amor.

Mas em nenhum dos exemplos anteriores conseguimos igualar o que as mãos deste auto-didacta, que nunca teve uma única aula de arte na vida, conseguiram: transformar meros livros em obras de arte, apenas com recurso à dobragem de papel e a ajuda de um x-acto.

No filme Comer, Rezar e Amar (2010), a personagem vivida por Julia Roberts procurava uma palavra. Não uma palavra qualquer, mas a sua palavra. Aquela que deveria transmitir de forma fiel a sua verdadeira essência.

Deite os olhos à galeria de Isaac Salazar e procure descobrir qual é a sua palavra. Se chegar a alguma conclusão e estiver interessado, aqui fica o endereço da loja de Isaac na etsy.

Mais trabalhos de Isaac Salazar no flickr.

Sobre moda, figurino e fantasia

Passou-se o carnaval. Por isso, pensei em tratar das relações entre moda, figurino e fantasia. Vestir-se implica usar uma criação, quer seja de uma grife de moda, de um figurino (para teatro, cinema, TV), ou de uma fantasia (para carnaval ou festa, por exemplo). Três campos quase homogêneos, mas com sutis distinções, que compartilham de dois conceitos essenciais que os caracterizam: o tentar “ser conceitual” e a “(re)interpretação de temas”. Por isso, fazem-se necessárias, inicialmente, as definições sobre o que constitui cada um deles.

A moda registra, desde suas origens remotas com o Renascimento, a essência do consumo de seus bens produzidos. Seja na esfera simbólico-estética, seja na econômico-financeira da criatividade, que adquire caráter mercadológico, as criações da alta-costura e do prêt-à-porter não existem sem uma equação que balanceie liberdade do ato criativo dos estilistas e o que será adotado pelas sociedades em seus tempos históricos. Contudo, há uma premissa que antecede essa dinâmica: a busca constante pela essência autoral na criação, o que garante o passaporte de criativa ao universo fashion.

A existência do mundo da moda é justificada por inúmeros fatores de ordens e campos diversos que se interagem no esforço conjunto para compreenderem a sua importância e seu consequente impacto nas sociedades. Moderna por excelência, a moda responde por uma gama de possibilidades que articulam estilos, tanto na esfera individual, em um primeiro estágio, quanto coletiva, em busca da inserção nas tribos s

Christian Lacroix e John Galliano

ociais. O vale-tudo pela satisfação a partir da roupa é seguido, historicamente, como uma das ferramentas que justifica a existência consubstanciada de um mercado voltado para a complexidade que é a moda.

Já o processo criativo do figurino começa com uma análise detalhada da composição de determinado estilo visual, período e cultura social em que a produção (teatro, cinema, TV) irá ocorrer, seja esse período histórico ou não. O roteiro da produção igualmente esclarecerá o lugar, o tempo e as estações nas quais os esboços dos desenhos começam a ser traçados para, em seguida, ganharem vida como peças do figurino.

Dependendo da produção, uma variedade de processos e de fontes diferentes de pesquisa pode ser usada para ordenar a sequência lógica de exibição do figurino, não somente as roupas, como também os acessórios e o mobiliário cenográfico. A pesquisa detalhada é essencial, pois resulta num retrato que busca a fidelidade das criações da sociedade e da cultura da época pesquisada.

E, quando pensamos na fantasia e na sua relação com a sociedade, precisamos lembrar que a nossa compreensão aqui para a palavra “fantasia” é no sentido de se vestir, criando uma atmosfera contemplativa, de comemoração, geralmente atrelada às festas populares, como o Carnaval, ou, mesmo, às festas particulares ou em grupos. Uma fantasia é, geralmente, a tradução de uma imagem, de um sonho idealizado e materializado em roupas que escondem a real personalidade e constroem uma outra.

Temos alguns exemplos que contextualizam as contaminações das três áreas. John Galliano (para Dior), Christian Lacroix e Gareth Pugh são estilistas que criaram na moda com pesquisas e ressignificações históricas. Ronaldo Fraga, Lino Villaventura e Jean Paul Gaultier são exemplos de criadores que já desenvolveram figurinos para peças de teatro, cinema e companhias de danças.

Jean Paul Gaultier, Lino Villaventura e Ronaldo Fraga
Tarcísio D’Almeida é professor e pesquisador do curso Design de Moda da Escola de Belas Artes, da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA-UFMG). tarcisiodalmeida@eba.ufmg.br

Semana de Arte Moderna de 1922 – 90 anos (artigos e documentários)

Marta Berard.

O ‘grito de guerra’ da Semana de Arte Moderna completa 90 anos

São Paulo, 12 fev (EFE).- A ruptura com o academicismo nas artes plásticas e a substituição do hendecassílabo pelo verso livre foram algumas das bandeiras da Semana de Arte Moderna, evento cultural realizado em São Paulo e que propiciou a renovação cultural do modernismo brasileiro.

‘Foi um grito de guerra’, disse à Agência Efe o professor e decorador assistente do Museu de Arte de São Paulo (Masp), Denis Molino, para ilustrar o significado que teve a Semana como revolução na cultura brasileira, evendo que nesta segunda-feira completa 90 anos.

A Semana de Arte Moderna foi um acontecimento realizado nas noites dos dias 13, 15 e 17 de fevereiro de 1922 no magnífico Teatro Municipal de São Paulo, transformado no palco de conferências, recitais de música e poemas, na qual participou um grupo de artistas que se rebelavam contra a forma fixa e os cânones estéticos do século XIX, imperantes na arte do Brasil.

Ficam para a lembrança daquele vibrante acontecimento os assobios e vaias com as quais foram recebidas algumas das conferências e a ousadia do compositor Heitor Villa-Lobos, que surgiu em cena usando chinelos de dedo.

Denis explicou que a Semana foi um evento ‘paulista’ porque naquele momento a cidade ‘tinha essa abertura e era muito mais espontânea’ que o Rio de Janeiro, naquela época capital brasileira e onde ficava a Academia de Belas Artes, guardiã da técnica, do apego à norma, da obra bem definida e de contornos acabados.

‘A ideia de transformação radical é mais propícia a São Paulo’, disse Denis, acrescentando que dali foi ganhando espaço no Brasil.

A importância de São Paulo como crisol brasileiro foi recentemente reconhecida pela presidente Dilma Rousseff, que no dia 25 de janeiro recebeu a medalha de honra da cidade e pronunciou um discurso no qual disse que a cidade foi o motor do progresso econômico do país e o berço do modernismo cultural.

A Semana é considerada como a semente da qual brotou o Modernismo brasileiro, embora seus principais expoentes, Mário e Oswald de Andrade, Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Tarsila do Amaral, Emiliano Di Cavalcantti e Manuel Bandeira, já tinham escrito vários capítulos de ruptura na década anterior, que serviriam para narrar a novela da mudança cultural.

Inspirados em um espírito iconoclasta, os modernistas brasileiros bebem das vanguardas europeias como o Dadaísmo, o Futurismo e o Cubismo, mas com uma releitura tropical, em busca de um relato propriamente brasileiro e da construção de identidade.

Denis, que também dá cursos de História da Arte no Masp, explicou que enquanto na Europa já se tinha produzido um processo de ‘destruição da ordem’, o Brasil tinha essa necessidade de afundar na originalidade, na liberdade artística, na ruptura dos cânones.

Na sua opinião, esse movimento, que se manifestou em diferentes disciplinas artísticas, como pintura e música, teve especial impacto na literatura, onde aconteceu a separação da escola poética do Parnasianismo, baseada na estrutura métrica e na beleza formal, que gozava de ampla influência entre os poetas brasileiros.

Nos primeiros compassos do Modernismo brasileiro – que se articularam em torno do Manifesto Antropófago, escrito por Oswald de Andrade em 1928 no primeiro número da ‘Revista da Antropofagia’ – a proposta é fagocitar (digerir) a cultura estrangeira, mas revesti-la de elementos nacionais.

‘As pinturas de Tarsila, autora do famoso ‘Abaporu’, por exemplo, remetem ao Cubismo, mas com um discurso autóctone, com cores tropicais e a temática de fundo do interior rural brasileiro’, segundo Denis.

Para o especialista, a Semana de Arte Moderna e o Modernismo tiveram seu impacto até os anos 60, mas a partir dos 70 se pulveriza a mensagem desse período de euforia, que, nas palavras de Mário de Andrade, constituiu ‘a maior orgia intelectual que a história artística registrou’. EFE

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ARTIGOS

Revista Continuum : “Saga Modernista completa 90 anos”. 

Petrônio Souza : Modernista por BH

Marilia Andres Ribeiro : O modernismo brasileiro: arte e política

Luciano Monteiro : O movimento modernista e a construção de uma identidade nacional sob a égide do Estado Novo

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Assista ao documentário produzido pela Globo News sobre a Semana de Arte Moderna de 22:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=tJKYZdGU4rA]

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Especial da TV Cultura sobre a Semana de Arte Moderna de 22

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=LdO_ebONK9I]

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E veja como foi a exposição Tarsila e o Brasil dos Modernistas na Casa Fiat de Cultura.

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Consulte também as obras do acervo da Belas Artes:

ALAMBERT, Francisco. A Semana de 22 : a aventura modernista no Brasil. São Paulo: Scipione, 1992. 104p. (Historia em aberto)

AMARAL, Aracy A. Artes plásticas na semana de 22. 5. ed. rev. e ampl. São Paulo: Ed. 34, 1998. 335p.

BOAVENTURA, Maria Eugenia. 22 por 22: a Semana de Arte Moderna vista pelos seus contemporâneos. São Paulo: EDUSP, c2000. 461 p.

BULHÕES, Maria Amelia; KERN, Maria Lucia Bastos. A Semana de 22 e a emergência da modernidade no Brasil. Porto Alegre: Secretaria Municipal da Cultura, 1992. 61 p.

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alexander McQueen, o gênio da moda

Alexandre Romero

L’enfant terrible, ou “o hooligan da moda inglesa”, como muitas vezes é apelidado. Alexander McQueen é o derradeiro gênio da moda, entre loucura e sanidade, fragilidade e força, tradição e modernidade, fluidez e severidade, a sua obra continua a quebrar barreiras e a elevar-se a um outro nível.

Em menos de dez anos, Alexander McQueen, tornou-se um dos mais respeitados criadores, tendo até sido director criativo da casa de alta-costura parisiense, Givenchy, que deixou em 2001 para trabalhar na sua própria marca, homónima. Desde então, faz história com os seus desfiles, unindo a excelência da alfaiataria britânica, a execução perfeita da alta-costura francesa e o impecável acabamento italiano. O seu trabalho tem descrito uma espiral ascendente no mundo da moda, pela justaposição de elementos contraditórios, resultando em colecções únicas, de crescente poder emocional e energia crua, pura paixão.

Nascido em Londres, a 17 de Março de 1969, filho de um taxista, o mais novo de seis, Alexander começou por fazer vestidos para as três irmãs e, ainda jovem, anunciou que queria ser criador de moda. Deixou a escola aos 16 anos e logo se tornou aprendiz de grandes mestres na execução técnica de vestuário, como Anderson & Shephard ou Gieves & Hawkes. Daí passou para os teatrais Angels & Bermans, onde aprendeu os segredos do corte, desde o melodramático século XVI, até ao design sóbrio que se tornou a sua imagem de marca.

Aos 20 anos trabalhou com o designer Koji Tatsuno, cujo trabalho tem também raízes britânicas, e um ano depois viajou para Milão, onde foi assistente do designer Romeo Giglis. Finalmente, em 1994, voltou a Londres, onde se estabeleceu e completou o mestrado em Design de Moda na prestigiada Saint Martins College of Art and Design. A sua coleção de graduação foi comprada na totalidade pela famosa estilista Isabella Blow.

As duas colecções mais recentes, “The Horn of Plenty” (O Corno da Abundância) e “Plato’s Atlantis” (Atlântida de Platão) são mostras da mais pura natureza contemporânea e do gênio negro de McQueen. A primeira, traduz a visão do criador sobre o consumismo e a industrialização, transformando objectos comuns em acessórios prodigiosos, numa ode à reciclagem e reutilização. A segunda, é o epíteto da vanguarda da moda, quer pela elaboração técnica do desfile, em que dois robos se apresentam no meio da passarela e transmitem o desfile em direto para todo o mundo, quer pela beleza da colecção em si. Sob o mote da actualidade, dos problemas ambientais e da mudança, a coleção relembra para a necessidade de adaptação humana às novas condições ambientais, e propõe que o futuro possa estar no fundo o oceano.

A arquitetura das peças, o corte, texturas, cores e padrões, a maquiagem, os cabelos e os sapatos (os modelos mais fantásticos que o mundo já viu!) estão em comunhão entre si e com a Natureza. A primeira série é composta por estampas caleidoscópicas que criam um efeito simétrico nos looks, cheios de padrões animais e texturas orgânicas, a segunda série representa a descida ao mar profundo onde as peças são fluídas como água e as modelos se transformam em criaturas marinhas, alienadas. Verdadeiramente indescritível!

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A moda tem Iris van Herpen

Publicado no Jornal OTEMPO em 29/01/2012

TARCÍSIO D´ALMEIDA

A moda (re)nasce e justifica sua existência a partir do princípio do novo. Portanto, ela nasce e, automaticamente, já anuncia sua própria morte a cada estação. Esse automatismo é ditado por regras daquilo que compreendemos como calendário, o qual força as criatividades a se adaptarem às regras das divisões de etapas por meses, segundo a linha produtiva dos mercados.

Se pensarmos no princípio da busca constante pelo “novo”, precisaremos nos lembrar ainda de quem propicia esse “novo” à moda. Responsável por tal tarefa, o estilista é o ator principal na trama que mescla ideias, desejos, matérias-primas, temas, interpretações e indivíduos.

Esse “mélange” constitui o fenômeno moda, que gera, em boa medida, o fascínio pelo que produz no inconsciente das pessoas, quando geralmente se deparam com uma produção extremamente rebuscada no quesito inventividade. E é esse fundamento que busco ao assistir aos desfiles, seja o das semanas de moda, seja o de formandos em moda. E lhes aviso que é importante nos atentarmos para outros países, como os nórdicos e bálticos, por exemplo, pois o fundamento das capitais da moda, que é hegemônico, começa a conviver com uma nova realidade: a da expansão dos novos cenários criativos.

E o mundo já testemunhou esse novo desenho quando os belgas dominaram a moda com suas propostas estéticas minimalistas nos anos 1990. Agora um nome proeminente tem despertado bastante minhas atenções. O nome dela é Iris van Herpen, uma jovem criadora e ex-aluna de design de moda da Artez, prestigiada instituição de ensino de Arnhem, na Holanda. O desfile début de sua marca foi em 2007. Na recente carreira, ela estagiou com Alexander McQueen, em Londres, e com Jongstra Claudy, em Amsterdã. E o que mais tem me hipnotizado com as visões de moda de Iris é como cria uma reciprocidade impressionante entre o fazer artesanalmente com inovações nas técnicas e materiais que ela emprega. Sem medo e excesso, poderíamos dizer que a ausência e a sensação de vazio na moda, geradas pelo suicídio do visionário Alexander McQueen, começam a ser preenchidos pela nova verve criativa de Iris van Herpen.

A riqueza no seu processo criativo está fundamentada em um princípio essencial aos autênticos criadores: o da autoria artística. “Para mim, a moda é uma expressão de arte que está muito próxima e relacionada a mim e ao meu corpo. Eu a vejo como minha expressão de identidade combinada com desejo, humor e ambiente cultural”, explica a estilista.

Quando Iris van Herpen nasceu, no ano de 1984, os japoneses começavam a dominar a cena fashion parisiense. Coincidência ou não, é em Paris, hegemonicamente na Semana de Moda Alta Costura, que Iris tem mostrado suas criações. Ela já produziu nove coleções, desfiladas em 15 semanas de moda, já recebeu seis prêmios, além de ter sido tema de 28 exposições com seus trabalhos de moda-arte. Com Iris van Herpen confirmamos que regras normais não se aplicam aos verdadeiros criadores. Ou, como ela nos explica, “com o meu trabalho, pretendo mostrar que a moda pode certamente ter um valor para o mundo, que é atemporal e que o seu consumo pode ser menos importante. Vestindo-se roupas podemos criar uma forma muito excitante e imperativa de auto expressão”. Viva Iris!

Visite o site de Iris van Herpen : http://www.irisvanherpen.com/site/

Tarcisio D´Almeida é professor e pesquisador do curso design de moda da Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA-UFMG). tarcisiodalmeida@eba.ufmg.br. Ele divide este espaço com Susanna Kahls, Jack Bianchi e Lobo Pasolini